Hoe beïnvloedt architectuur de manier waarop we kunst als geheel creëren en waarnemen? - dat was de essentiële vraag tijdens de tweede editie van de Art & Architecture Conference van de Frieze Academy in Londen. Bij deze gelegenheid bespreekt de bekende architect Sir David Adjaye , wiens brede scala aan projecten lange tijd nauw verbonden is met verschillende kunstvormen, zijn ideeën in het veld in een dialoog met Yesomi Umolu, curator van tentoonstelling in het Reva en David Logan Center for the Arts aan de Universiteit van Chicago. Vanuit zijn vroege enthousiasme voor de studie van kunst in het Smithsonian Museum in Washington DC, zal de beroemde Britse ingenieur zijn gedachten en diepgaande begrip van de balans tussen de twee creatieve velden met ons delen.
"Eerlijk gezegd begon mijn interesse in kunst omdat ik een beetje teleurgesteld was in de architectuur", zegt de beroemde Britse architect Sir David Adjaye. Als jonge student vond hij dat het architectuuronderwijs "zeer controversieel aan het worden was met de nadruk op intellectuele stijlen". In de naoorlogse kunst vond hij echter een zekere strengheid vermengd met een dosis menselijkheid, uitgedrukt door de ervaringen van verschillende culturen van over de hele wereld. Het was deze fascinatie die hem naar de kunstacademie bracht, waar hij al snel besefte dat hij niet zozeer geïnteresseerd was in de praktijk van kunst, maar eerder in de sociale context ervan. .
Maar Adjaye's ongebruikelijke architectonische reis manifesteerde zich pas echt als student aan het Royal College of Art in de vroege jaren 1990. “Dankzij de economische opkomst maakte een hele generatie kunstenaars een grote ontwikkeling door op het toneel. globaal. Dit fenomeen beïnvloedde ook de energie van kunstenaars in Londen tegen het einde van de twintigste en het begin van de eenentwintigste ”, legt Sir David Adjaye uit. En hij voegt eraan toe: “In feite heb ik mijn professionele carrière niet gemaakt door middel van sponsoring, wat meestal het geval is bij de meeste architecten. De opkomst ervan is tot stand gekomen dankzij de kunstenaars en de relaties die via de Academie tot stand zijn gekomen.
Een van de allereerste projecten van David Adjaye: de Dirty Houses
En het waren de relaties van David Adjaye met opkomende kunstenaars, die in die tijd allemaal probeerden erkenning te krijgen op het Portbello Road-podium (vlooienmarkt en toeristisch middelpunt in de welvarende Londense wijk Notting Hill), die genereerde zijn eerste projecten. Met de eerste golf van ontdekkingen van kunstenaars en zijn migratie naar de wijk Shoreditch in Oost-Londen, die hij beschrijft als "een ruimte van conflict", legde hij de basis voor zijn eerste studio.
David Adjaye deelt dat tijdens zijn eerste bestellingen, namelijk: "Dirty House" en "Elektra House" (waarvan u de interieurs respectievelijk kunt bewonderen op de twee foto's hierboven), hij geen beeld wilde creëren van gentrificatie (anglicisme voor "stedelijke gentrificatie"). Maar tegelijkertijd erkent hij dat zijn werken er mogelijk aan hebben bijgedragen. Het doel was om een stille realiteit in huizen te brengen, waar de grillige sfeer van de kunstenaars kon worden bewaard en toch consistent bleef met de omgeving.
Deze vroege werken lieten hem toe om de verschillende kunstenaars, met hun instincten en extreme ervaringen, beter te interpreteren en te begrijpen hoe ze de effectiviteit van architectuur tegenspraken zoals hij die eerder had bestudeerd. Er moesten grenzen worden gecreëerd om elk van de creatieve mensen in staat te stellen hun werk te scheiden van het werk van anderen en zo alle aspecten van hun eigen leven te onderscheiden en te respecteren. Zijn vroege projecten vereisten verschillende niveaus van inspanning en empathie, evenals een breed scala aan methodologieën, en het werd al snel duidelijk voor David Adjaye dat het doel van architectuur niet alleen was om een mooie ruimte te creëren. .
Wanneer de kunstenaar en de architect in perfecte symbiose zijn, zijn de resultaten verbluffend!
"All the world futures" - Okwui Enwezor en David Adjaye, Biënnale van Venetië, 2015
Vanaf dat moment boekten de relaties van David Adjaye met kunstenaars alleen maar vooruitgang, net als zijn architectenbureau. “Ik begon te zeggen dat deze gebouwen misschien een contrapunt zijn van dit soort alomtegenwoordige gewone gevels en dat ze een verademing in de wereld hebben gecreëerd. Bovendien boden ze ook nieuwe mogelijkheden voor binnenverlichting ”, legt de architect-kunstenaar uit. "Dat is hoe het begon, het idee om een contrapunt te creëren van lagen van privacy - retraite en fantasie in huis."
De praktijk van David Adjaye is nooit commercieel geweest, zelfs niet bij de overgang van woonprojecten naar instellingen. Tijdens deze verandering hield hij vast aan dezelfde denkprocessen en hetzelfde begrip van de praktijk. Zo verkenden hij en zijn team bij elk nieuw project nieuwe concepten die verband hielden met de kunst. Door vragen te stellen als: "Hoe bouw je veerkracht op in zo'n kwetsbare context?" en "Hoe zorg je ervoor dat het ontwerp tegelijkertijd een aanzienlijke creatieve flexibiliteit heeft en de kwaliteit van wereldklasse die elke kunstenaar wil bereiken?" ”, Zijn recentere project,“ Rivington Place ”in Shoreditch (getoond in de afbeelding hierboven), was geboren. “Deze gebouwen omvatten niet alleen het genereren van een nieuw type ruimte,maar ze creëren ook kleine kansen voor verschillende moderniseringen ”, voegt hij eraan toe.
Samenwerking tussen Chris Ofili en David Adjaye - een van de meest ambitieuze projecten
Behalve de vrijheid van de werkelijkheid die de kunstenaars bieden, is het ook de mogelijkheid om buiten de gevels te observeren die David Adjaye proeft. Geen enkel project weerspiegelt dit idee beter dan zijn werk met Chris Ofili voor de Kunstbiënnale van Venetië in 2015. "Het was waarschijnlijk een van de meest ambitieuze dingen die ik ooit voor een kunstenaar heb gedaan", zei Adjaye. . “Chris had het over het idee om het gebruikelijke traject van bezoekersbewegingen in de galerie zelf te integreren. Hij was geïnteresseerd of we dat echt in de ruimte konden vinden, dus hebben we een kapotte koepel gemaakt die naar beneden valt. Het echte effect is wanneer mensen de galerij binnenkomen. "
David Adjaye legt uit dat er een constante strijd is om architectuur te 'verkleinen'. "Het probleem is dat als je ogen eenmaal aan de details en hun betekenis gewend zijn, ze alert worden en je begint te zien hoe moeilijk het is om een goede achtergrond te creëren", zegt Adjaye, die de twee beroepen. “Maar de ogen van kunstenaars passen heel goed - we proberen dan continu afwezigheid te creëren en tegelijkertijd aanwezig te blijven”.
De Skolkovo School of Management in Moskou, Rusland, ontworpen door David Adjaye
David Adjaye's scherpe begrip van architecturale tekortkomingen heeft geresulteerd in een doordachte en methodische aanpak, waarbij studio-creatie resoluut wordt gedaan en met het doel een grote impact te hebben. Het is deze holistische overweging van elk project dat het succes genereert, te beginnen met de individuele gedachten van elke klant. Zonder filosofische perceptie van het uitgangspunt van het project in kwestie, zou het werk meer dan moeizaam worden. Het probleem zelf wordt de katalysator voor creatie, wat in de ervaring van David Adjaye het beste deel van het werk naar voren brengt.
Deze ontwerpen, ontwikkeld in alle eerdere projecten van Adjaye, leidden tot het onderwerp van zijn carrière tot nu toe: het National Museum of African American History and Culture (hierboven afgebeeld en hieronder) dat volgens de toparchitect "tegelijk een monument, een gedenkteken en een museum is". Het gebouw vormt een aanvulling op het oorspronkelijke 200 jaar oude masterplan van Washington DC en met name het winkelcentrum. De structuur was echter slechts gebaseerd op een kwart van het beoogde ontwerp, wat betekende dat zijn werk een andere strategie moest volgen dan die van andere musea binnen het Smithsonian Institution.
Het waren misschien deze uitdagingen die de aandacht van David Adjaye voor de speciale aard van het project hebben vergroot. Daarom ging hij op zoek naar het tegenovergestelde van hoe standaardmusea zijn gepland (vaak ondergronds en zonder pakhuizen). Het resultaat van het project was uniek en ook zijn manier van omgaan met de monumenten van Washington was uniek. De structuur zou niet alleen kunnen functioneren als een traditioneel gebouw, maar ook als iets dat oscilleert tussen een kunstobject en een architectonisch werk.
The Studio Museum in Harlem, New York door David Adjaye
Dankzij het vermogen van David Adjaye om zijn geest te bevrijden van de beperkingen van het conventionele, en dankzij zijn begrip dat het museum deel uitmaakte van een hele nationale gemeenschap, groeide de verzameling tentoongestelde objecten snel van 3.000 naar 35. 000 van verschillende schenkingen en bijdragen. Deze culturele en contextuele kennis is ook aanwezig in een van zijn nieuwste projecten: het nieuwe Studio Museim in Harlem, New York. "Deze galerie draait het idee van een museum om", legt Adjaye uit. "Het museum wekt een gevoel van publieke nieuwsgierigheid op en verbindt zich ertoe er volledig voor te zorgen door u uit te nodigen in het interieur en u bewust te maken van vele historische onderwerpen en niet alleen".
Naast The Studio Museim in Harlem werken David Adjaye en zijn team aan twee musea voor hedendaagse kunst in Letland (zichtbaar op de laatste twee foto's) en Texas - twee heel verschillende plaatsen die logischerwijs resulteerden in twee ontwerpen die dat niet deden hebben niets met elkaar te maken. Terwijl de eerste wordt beïnvloed door Baltische huisarchitectuur, zoals de eenvoudige houten huizen die overal in de regio te vinden zijn, zullen de laatste worden bekleed met moderne zijpanelen in levendig paars. Gewapend met een breed scala aan onconventionele benaderingen en een holistische praktijk gebaseerd op uitgebreid onderzoek, levert Sir David Adjaye altijd ongekende projecten die de individuele aard van kunst, culturele achtergrond en de geest van de gemeenschap.
Bezoek zijn officiële website om alles te weten over David Adjaye en zijn prachtige projecten